31 ago. 2012

Carlos Larrañaga, el galán de la pantalla

Carlos Larrañaga, el galán de la pantalla. FILMA2. Making Of

Anoche nos fuimos a la cama con la noticia de la muerte de uno de los actores españoles más queridos. Carlos Larrañaga dejaba este mundo a causa de las complicaciones por la descompensación cardíaca por la que tuvo que ser ingresado hace una semana. Desde Making Of queremos hacerle un homenaje dedicándole nuestro FILMA2.
 
Carlos Larrañaga nació en Barcelona en 1937. Se puede decir que su pasión por la interpretación le viene desde la cuna, ya que proviene de familia de actores: sus padres fueron la actriz María Fernanda Ladrón de Guevara y el actor Pedro Larrañaga.
 
Tuvo su debut a los 4 años con su aparición en Alma de Dios, de Ignacio Iquino. Se instaló con su familia en Cuba y desde muy joven participó en el teatro y en la televisión de allí. Cuando regresó a España se incorporó al cine, siempre haciendo papeles de galán y conquistando al público desde el primer momento.
 
Participó en la película Pequeñeces, de Juan de Orduña en 1950 y 7 años después trabajó en Orgullo y pasión, una superproducción de Hollywood rodada en España con Cary Grant, Sophia Loren y Frank Sinatra. También hay que destacar Ha llegado un ángel (1961), de Luis Lucia, y Las verdes praderas (1979), de José Luis Garci, director con el que ha mantenido una continuada relación a lo largo de su carrera, participando en otros de sus largometrajes como Tiovivo c. 1950 (2004), Luz de domingo (2007) por el que fue nominado a los Premios Goya, y Sangre de mayo (2008).
 
Además de tener una filmografía muy extensa, en la que se cuentan más de 70 películas, Larrañaga ha destacado también en el mundo del teatro y la televisión.
 
Sobre las tablas ha actuado en obras como La cornada (1960), de Alfonso Sastre, Tengo un millón (1960), de Víctor Ruiz Iriarte y La tercera palabra, de Alejandro Casona.
 
En la pequeña pantalla destacó en Los gozos y las sombras y en la exitosa serie Farmacia de guardia.
 
Algunas películas de su filmografía:
  • Los muertos no se tocan, nene (2012)
  •  Malditos sean (2011)
  •  Sangre de mayo (2008)
  •  Luz de domingo (2007)
  • Bienvenido a casa (2006)
  • Tiovivo c. 1950 (2004)
  • Atraco a las 3... y media (2003)
  •  Pesadilla para un rico (1996)
  •  Las verdes praderas (1979)
  •  Escuela de enfermeras (1969)
  • El extraño viaje (1964)
  • Ha llegado un ángel (1961)
  • Melocotón en almíbar (1960)
  • 15 bajo la lona (1959)
  • Orgullo y pasión (1957)
  •  Pequeñeces (1950)
  •  Alma de Dios (1941)

30 ago. 2012

Estrenos de la semana


Las aventuras de Tadeo Jones. Making Of. CineLas aventuras de Tadeo Jones
Título original: Las aventuras de Tadeo Jones
Género: Animación, aventuras
Nacionalidad: España
Año: 2012
Director: Enrique Gato
Guión: Enrique Gato

Sinopsis: Debido a una fortuita confusión, Tadeo, un albañil soñador, será tomado por un famoso arqueólogo y enviado a una expedición a Perú. Con la ayuda de su fiel perro Jeff, una intrépida profesora, un loro mudo y un buscavidas, intentarán salvar la mítica ciudad perdida de los Incas de una malvada corporación de cazatesoros.

28 ago. 2012

Ayuda a Lars Von Trier

El excéntrico director de cine Lars Von Trier con un reloj de arena en la mano¿Eres cineasta y quieres una oportunidad para conquistar la gran pantalla? El controvertido director cinematográfico danés, Lars Von Trier ha puesto en marcha un proyecto participativo al que llama a colaborar a todos aquellos amantes del cine de todo el mundo para que reinterpreten algunas de sus obras favoritas como Ulises de James Joyce, ¿De dónde venimos? ¿Quiénes somos? ¿Adónde vamos? de Paul Gauguin,  El padre de August Strindberg o la obra arquitectónica de Albert Speer entre otras. El fin del proyecto es crear una obra maestra popular.

'Gesamt' es el nombre que recibe este proyecto ya que este término se refiere a la suma de artes propia de la tragedia griega pero Lars Von Trier no solo quiere quedarse en la parte superficial de la materia sino que quiere ahondar en la dimensión filosófica y metafísica que la envuelve.
El cineasta danés ha escogido seis obras maestras que según su criterio, corresponden cada una de ellas con las seis disciplinas descritas por Hegel en su teoría estética. Todo aquel que quiera participar puede hacerlo hasta el próximo 6 de septiembre. Para obtener más información pueden pinchar aquí.

Todos esteremos expectantes para ver si este proyecto tendrá éxito entre la sociedad pero para poder ver los resultados tendremos que esperarnos hasta el 12 de octubre que será la fecha que la película creada por el proyecto 'Gesamt' sea estrenada en el Kunsthal Charlottenborg, de Copenhague. 

27 ago. 2012

Cine a 3€ también en Yelmo Cines

 
Del 1 al 27 de septiembre tienes una cita con las mejores películas del 2012 en Yelmo Cines por sólo 3€. Si te perdiste estos taquillazos en su momento, ahora puedes volver a disfrutarlos en la gran pantalla en sesiones de tarde (a las 18:00 horas) y noche (a las 21:00 horas) en la mayoría de las salas de la cadena.
 
The Artist, Blancanieves y la leyenda del cazador, La invención de Hugo, Los juegos del hambre, El caballero oscuro: la leyenda renace y muchos títulos más componen el cartel de esta iniciativa. Puedes consultar la programación completa haciendo click aquí.
 
Para más información sobre la promoción y los cines adheridos visita la web de Yelmo.
 
 

26 ago. 2012

'El laberinto del Fauno' (2006), de Guillermo del Toro

Ayer me preguntaba un amigo cuáles eran las películas que más me habían llamado la atención, con la intención, según me dijo, de conocerme un poco mejor a través del cine. Y es que ¿acaso no es el cine un oasis de estimulación que nos permite llevar al límite nuestro modo de conocer el mundo y forzar nuestra imaginación hacia experiencias que van más allá de lo sensible?

Algo así es lo que, en mi opinión, hace Ofelia en la película que, respondiendo a la pregunta de mi amigo, ocupará los HITOS DEL CINE de la semana: El laberinto del fauno.

A través de su personaje, interpretado por la ganadora del Goya Ivana Baquero, nos adentramos en un mundo de fantasía que disfraza la cruda realidad experimentada durante la Postguerra española, reflejada en las figuras de Carmen (Ariadna Gil), madre de la niña y cuya salud se deteriora conforme avanza su embarazo, y en Mercedes (Maribel Verdú), que hará todo lo posible por preteger a Ofelia del drama que la rodea y que toma su más cruel representación en la figura de Vidal (Sergi López), marido de su madre. Es precisamente esta mirada soñadora y valiente la que dota de una fuerza especial a esta película entre tantas otras de temática similar a las que tan acostumbrados nos tiene el cine español.


De este modo, frente a un Vidal destructivo y frío, en el que solo caben los anhelos de ser padre de un varón al que corromper con pensamientos de apoyo y de lucha a favor de una dictadura injustificada, para lo cual es capaz de pasar por encima de quien se interponga en su camino hacia su objetivo, como ocurre en su carrera militar, tenemos una Ofelia capaz de salir adelante gracias a su imaginación y a un encuetro fortuito con un Fauno (Doug Jones) que, tras hacerle la revelación de que en realidad es princesa Moanna, última de su estirpe, la conducirá a través de un laberinto de difíciles pruebas cuya recompensa será ofrecerle una oportunidad a su hermano a cambio de mantenerse fiel a sí misma, con los riesgos que ello conlleva.


Mercedes, papel por el que Maribel Verdú fue nominada al premio Goya, será un pilar fundamental en el desarrollo de la historia pues aunque sirve en la casa de Vidal, es una revolucionaria que ayuda a su hermano, uno de los maquis escondidos en el Pirineo aragonés, que lucharán contra la Policía Aramada franquista en 1944. Su impecable actuación, junto con un soberbio Sergi López y la talentosa Baquero, combinan a la perfección con una fotografía, un diseño de vestuario y un maquillaje de los más espectaculares de los últimos tiempos de la cinematografía iberoamericana y que, junto con una banda sonora compuesta por Javier Navarrete hacen de El laberinto del Fauno una delicia estética que explota lo fantástico pero que, no obstante, sacude al espectador de un realismo sobrecogedor.



Hasta ahora la película de habla hispana más taquillera de la historia, El laberinto del Fauno está escrita y dirigida por Guillermo del Toro, y con ella ha obtenido 3 premios Oscar además de 68 premios más. Además, es la segunda entrega de una trilogía fantástica sobre la Guerra Civil y la Postguerra española iniciada con El espinazo del diablo y que finalizará con 3993, aunque aún se desconoce la fecha. En cualquier caso, El laberinto del Fauno es, no solo una película redonda, sino una película mágica. ¿A qué estáis esperando? ¡Que la disfrutéis!


25 ago. 2012

'Brave' (Indomable)

Posters de Brave (Indomable), película de Disney y Pixar. LA TAQUILLA. Making Of


Brave nos presenta a Merida, una joven princesa escocesa que no quiere ser una princesa clásica y apuesta por una vida aventurera y de soltería. Para conseguirlo ha de enfrentarse a su madre, la reina Elinor, exigente y amante de las normas del reino.

La película muestra un feminismo notable desde que salió a la luz el primer trailer, donde el espectador ya intuye que Merida no es una heroína clásica, de las de siempre, de las que Disney nos tiene acostumbrados a ver.
 
En este caso, el principal conflicto de la trama es, justamente, ése, el lugar que las mujeres acostumbran o, mejor dicho, acostumbraban a ocupar. Ese segundo plano detrás de un príncipe que algún día será rey.
 
Merida no quiere ser una chica florero y no cree en príncipes azules. Se enfrenta a su madre porque rechaza lo que ésta representa, rechaza la continuidad de ese ideal viejo y anticuado que, para la mayoría de los espectadores, no encaja en el mundo moderno.
 
La película es apta tanto para niños como para adultos, pero quizá, en esta ocasión, la historia se desarrolle de una manera más infantil si comparamos el largometraje con otros títulos de Pixar, siempre destinados a niños y a los no tan niños.
 
Aún así, Brave es una buena apuesta para pasar una gran tarde de cine, y esto es algo que, además, queda reflejado en los ingresos obtenidos por la película, que se ha sitúado en lo más alto de la taquilla española.

 
Nota Making Of: 7
 
 

24 ago. 2012

Santiago Segura


Santiago Segura Silva (Madrid, 1964) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Comienza su periplo en el año 1989 cuando escribe, dirige y protagoniza el primero de sus cortos: Relatos de la medianoche, al que seguirían Evilio (1992), Perturbado (1993), ganador del premio Goya en 1995 al Mejor Cortometraje de Ficción, y Evilio vuelve: El purificador (1994), secuela del primero.

A las órdenes de sus directores favoritos, ha interpretado multitud de personajes en alrededor de 20 largometrajes: Acción Mutante, El día de la bestia, Perdita Durango, Muertos de risa (las cuatro de Álex de la Iglesia), Two Much, La niña de tus ojos (ambas de Fernando Trueba), Todos a la cárcel, París-Tombuctú (ambas de Luis Gª. Berlanga), Obra maestra, Bienvenido a casa (ambas de David Trueba), etc.

Su experiencia se amplía trabajando en televisión en series, programas de variedades y también hace sus pinitos (con su ya característica voz) en el doblaje de películas. Suya es la voz del no tan monstruoso Sullivan en Monstruos S.A.

Aunque quizá las producciones que le han reportado mayor popularidad y prestigio han sido las propias. En 1998 escribe, dirige, produce y protagoniza Torrente, El brazo tonto de la ley, convirtiéndose ésta en la película más taquillera del cine español con 12.020.300 € de recaudación y 3 millones de espectadores.


Además, la película obtiene dos premios Goya en 1999, uno de ellos a la Mejor dirección novel. En el 2001 escribe, dirige, produce y protagoniza su segundo largometraje: Torrente 2: Misión en Marbella, que vuelve a erigirse como uno de los mayores éxitos del cine español, con 22.838.500 € de taquilla y más de 5 millones de espectadores.

Después llegaron trabajos como Beyond Re-Animator (2003), El oro de Moscú (2003), Hellboy (2004), Agent Cody Banks: Destination London (2004) y su primera colaboración con Miguel Ángel Lamata en Una de zombies (2003). El 30 de septiembre de 2005 vuelve a la gran pantalla escribiendo, dirigiendo, produciendo y protagonizando Torrente 3, El protector que con una recaudación de más de 7,2 millones de euros y 1.380.000 espectadores, se colocó en el primer lugar del ranking de las películas más vistas en su primer fin de semana en la cartelera española.

Tras ella, volvió a coincidir con Lamata en Isi-Disi, alto voltaje (2006) y participó en La máquina de bailar (2006) y Asterix y Obelix en los Juegos Olímpicos (2008).

Junto al humorista José Mota, protagonizó en Madrid el musical Los productores en 2007, año en el que también dirigió y presentó el programa late night de La Sexta Sabías a lo que venías.


Filmagrafía

  • Jack y su gemela, Dennis Dugan (2012)
  • El Gran Vázquez, de Óscar Aibar (2010)
  • Balada triste de trompeta, de Álex de la Iglesia (2010)
  • Isi/Disi, alto voltaje, de Miguel Ángel Lamata (2006)
  • Torrente 3: El protector, de Santiago Segura (2005)
  • El asombroso mundo de Borjamari y Pocholo, de Juan Cavestany (2004)
  • Di que sí, de Juan Calvo (2004)
  • Isi/Disi, amor a lo bestia, de Chema de la Peña (2004)
  • Hellboy, de Guillermo del Toro (2004)
  • Una de zombis, de Miguel Ángel Lamata (2003)
  • Beyond Re-Animator, de Brian Yuzna (2003)
  • El oro de Moscú, de Jesús Bonilla (2003)
  • Blade II, de Guillermo del Toro (2002)
  • Chica de Río, de Christopher Monger (2001)
  • Torrente 2: Misión en Marbella, de Santiago Segura (2001)
  • Obra maestra, de David Trueba (2000)
  • El corazón del guerrero, de Daniel Monzón (2000)
  • La mujer más fea del mundo, de Miguel Bardem (1999)
  • París-Tombuctú, de Luis García Berlanga (1999)
  • Muertos de risa, de Álex de la Iglesia (1999)
  • La niña de tus ojos, de Fernando Trueba (1998)
  • Torrente, el brazo tonto de la ley, de Santiago Segura (1998)
  • Perdita Durango, de Álex de la Iglesia (1997)
  • Airbag, de Juanma Bajo Ulloa (1997)
  • Sólo se muere dos veces, de Esteban Ibarretxe (1997)
  • La buena vida, de David Trueba (1996)
  • Matías, juez de línea, de Santiago Aguilar y Luis Guridi (1996)
  • Two Much, de Fernando Trueba (1995)
  • El día de la bestia, de Álex de la Iglesia (1995)
  • Evilio vuelve: El purificador (corto), de Santiago Segura (1994)
  • Todos a la cárcel, de Luis García Berlanga (1993)
  • Acción mutante, de Álex de la Iglesia (1993)
  • Perturbado (corto), de Santiago Segura (1993)
  • Evilio (corto), de Santiago Segura (1992)
  • Relatos de la medianoche, de Santiago Segura (1989)



22 ago. 2012

Las películas de John Huston vuelven a la gran pantalla

Imagen de John Huston en una de sus películas
¿Cansado de ver siempre las películas comerciales que lanza cada semana la cartelera? ¿Eres un/a enamorado/a de los clásicos? Si es así, apunta en tu agenda el siguiente plan que te proponemos porque no te lo puedes perder.

El Cine Estudio del Círculo de Bellas Artes de Madrid comienza la nueva temporada homenajeando a uno de los grandes cineastas de la historia del cine, John Huston. En el ciclo, que dará comienzo el próximo día 1 de septiembre y durarará hasta el 7 de octubre, se realizará un recorrido por las doce películas que representan los mejores trabajos del director y guionista estadounidense. 

Entre las películas que podremos ver se encuentran El halcón maltés, El tesoro de sierra madre, La reina de África, Moulin Rouge, La burla del diablo, Moby Dick, Los que no perdonan, Freud, pasión secreta, La noche de la Iguana, Paseo por el amor y la muerte, Fat City y Dublineses.

21 ago. 2012

La premiere mundial de 'Insensibles' tendrá lugar en el Festival de Toronto

La premiere mundial de 'Insensibles' tendrá lugar en el Festival de Toronto. Making Of

Insensibles es el primer largometraje del cortometrajista franco-español Juan Carlos Medina y tendrá su estreno mundial, nada más y nada menos, que en el Festival Internacional de Cine de Toronto, que se celebrará del 6 al 16 de septiembre.

La película, que se presentará en la sección Vanguard, cuenta la historia de David (Àlex Brendemühl), un brillante neurocirujano necesitado de un trasplante de médula que, para sobrevivir, se lanza a la búsqueda de sus padres biológicos. Aunque las respuestas sobre su origen parecen ocultarse tras un velo de silencio y misterio, en su búsqueda descubrirá que, en los Pirineos, durante la Guerra Civil, un grupo de niños nació con un extraño y desconocido mal: eran insensibles al dolor físico.

El film se rodó durante siete semanas en diferentes localizaciones de Huesca y Cataluna y junto al protagonista podremos ver rostros tan conocidos como Juan Diego y Félix Gómez, acompañados por Tómas Lemarquis, Derek de Lint, Ramon Fontserè, Silvia Bel, Bea Segura, Lluís Soler e Irene Montalà.       

La premiere española será el 6 de octubre en el Festival de Sitges, donde Insensibles competirá en la sección oficial.

20 ago. 2012

'Guardianes de la Galaxia' se disfrutarán en la gran pantalla



El mítico comic de Guardianes de la Galaxia será adaptado al cine en un futuro efímero y según las últimas fuentes James Gunn opta a ser el dorector que dirija el filme. Este jóven ha encabezado producciones como Pets o La plaga, sin embargo, en numerosas ocasiones también ha trabajado como guinista y actor.

En esta ocasión la trama irá encaminada hacia un futuro lejano. Todo se desarrolla en 3007 cuando el planeta es colonizado por la raza de los Badoon y la humanidad queda exterminada casi por completo. Sólo unos cuantos supervivientes consiguen sobrevivr a esta masacre. Ahora su labor será heroica, pues intentarán recuperar lo que fue suyo y evitar este tipo de injusticias en otros planetas.

En un primer momento se pensaba que la producción estaría lista para 2014, pero al ser una apuesta más de Marvel, debemos tener paciencia porque antes llegarán otros míticos como Los Vengadores 2.

19 ago. 2012

'La vida es bella' (1997), de Roberto Benigni


Es el año 1939, Guido vive en la Toscana italiana inocente y feliz, con alma de poeta. Tiene la ilusión de abrir una librería, pero tiene que ganarse la vida como camarero. Un día conoce a Dora, la guapa maestra y se enamora sin remedio de la "princesa", y comienza a cortejarla; tiene como rival a un dirigente del partido fascista. Unos años más tarde, ya casados, tienen un niño. Un día se presentan unos soldados y se llevan a Guido y a su hijo a un campo de concentración nazi. Dora les sigue por amor. Una vez allí, Guido hace todos los esfuerzos que puede imaginar para que su hijo crea que se encuentran en un "campamento de verano" y que están participando en un divertido juego; el motivo, preservar la inocencia del crío de cinco años, y evitarle los previsibles traumas del horror nazi.
Encantadora y tierna, todos los adjetivos resultan pobres para definir esta fabulosa historia de Roberto Benigni, director y actor italiano, que hasta la fecha presentaba en su haber comedias más discretas como Johnny Palillo, El monstruo o El hijo de la Pantera Rosa, logra lo que parecía increíble: un delicado equilibrio para mostrar el horror y la tragedia del holocausto nazi unido a un fino sentido del humor y a la ternura. Hacer bromas sobre campos de exterminio no es una tarea sencilla, enseguida se pueden herir sensibilidades o caer en lo grotesco. El film nos recuerda que aun en las situaciones más terribles es posible encontrar la belleza a través del amor por los que tenemos al lado. El cine de Charles Chaplin se respira en La vida es bella ya que no hay que olvidar que él también se tomó a chiste a Hitler en El gran dictador. Todo esto hace que esta semana incorporemos a La vida es bella en nuestro Hitos del cine, que lo es sobradamente.

Reacciones
Cuando se anunció el rodaje de La vida es bella, hubo protestas de la comunidad judía italiana. Benigni se reunió con ellos, e incluso permitió el asesoramiento de algunos supervivientes de Auschwitz para asegurar que el tema del holocausto se trataba con respeto. En Roma un periódico dejó una línea telefónica abierta para los que quisieran protestar por la película. Una vez estrenada la película, la comunidad internacional judía la aplaudió: primero en Milán, luego en Jerusalén y, finalmente, en Estados Unidos.

Violeta Friedman, superviviente de Auschwitz, dijo: "La película es una comedia, ni más ni menos. Roberto Benigni ha hecho de una triste historia una comedia. Creo que se puede hacer humor sobre muchas cosas, pero éste es un capítulo muy duro de nuestra historia, sobre el que no se debería jugar. No puedo negar que la película está rodada con muy buen gusto, que el tema está tratado con el mayor de los respetos. Pero para nosotros, los supervivientes de la Shoah, es muy doloroso ver en la pantalla algo que no se parece en nada a lo que fue la realidad".

La película fue proyectada a Juan Pablo II en el Vaticano. Las palabras de Benigni fueron: "no puedo decir, por cortesía, lo que me dijo el Papa. Pero sé que le gustó la película. Sé que la ha apreciado, que ha comprendido la propuesta de que hasta en el campo de exterminio se puede ver una luz de belleza".

Porque "La vida es bella es una frase que va más allá de la película, que resume toda una actitud hacia la vida, que tenemos todos la posibilidad y hasta la obligación de encontrar bella", según Benigni.

Premios
La película ha recibido más de 40 premios internacionales, incluyendo 3 Oscar (Mejor película extranjera, Mejor actor (Roberto Benigni) y Mejor banda sonora dramática) y el Gran Premio Especial del Jurado en el Festival de Cannes.


Curiosidades
Benigni se tiró a los pies de Martin Scorsese y empezó a besarlos cuando fue anunciado su premio en Cannes; al recibir el Oscar al Mejor film extranjero salió a recogerlo avanzando por encima de las butacas.

Después de ver el film, el padre de Roberto Benigni se levantó para gritar "Muy bien, hijo. Por fin has hecho una buena película." El padre de Roberto trabajó dos años en un campo de concentración y, desde su regresó, "su mayor obsesión era contarle a todo el mundo lo que le había pasado. Cuando mi hermano y yo éramos muy pequeños, nos lo contó de forma muy trágica".

La actriz Nicoletta Braschi es la esposa de Benigni en la película y en el mundo real. Se casaron en 1991 y asegura que "cada día que pasa nos queremos más".

En Estados Unidos ha costado más dinero la promoción de la película, unos 15 millones de dólares, que lo que fue el coste real de producción de la película, unos 6 millones de dólares.

El film ha recaudado más de 57 millones de dólares sólo en Estados Unidos. Se trata del film extranjero con mayores ingresos de taquilla en ese país.

Roberto Benigni se pasó varios meses en Estados Unidos haciendo la promoción del film: acudió a todo tipo de fiestas, hizo el gracioso con todo el mundo, y asegura que lo único que le faltó fue "hacer pis con Charlton Heston".

18 ago. 2012

'Café de Flore'

De izquierda a derecha: Kevin Parent,Hélène Florent, Evelyne Brochu y Jean-Marc Vallée, actores y director de Café de Flore. Making Of

Jean-Marc Vallée, director de C.R.A.Z.Y, vuelve al tipo de cine que le caracteriza con Café de Flore. Una historia de amor que acerca a dos personas separadas por el espacio y el tiempo que, sin embargo, tienen una conexión profunda, misteriosa y, para que negarlo, bastante irreal.

La película se desarrolla en dos espacios diferentes: el París de los años 60, que nos muestra la historia de Jacqueline (Vanessa Paradis) y su hijo Laurent, que tiene síndrome de down; y el Montreal de 2011 donde transcurre el triángulo amoroso entre Antoine (Kevin Parent), su ex-mujer Carole (Hélène Florent) y su nueva novia Rose (Evelyne Brochu).

A simple vista, las historias sólo tienen un nexo de unión, el amor profundo y obsesivo, representado por Carole hacia Antoine y por Jacqueline hacia su hijo, pero a medida que la trama transcurre el espectador va percatándose de que las dos tramas comparten mucho más que eso, aunque hasta el desenlace nadie sea capaz de entender la conexión total entre las dos realidades.

El film gira en torno a las almas gemelas y los amores que duran más allá de la muerte, habla de la reencarnación y de las conexiones espirituales de las almas, una temática un tanto extravagante e irreal que es difícil de aceptar por el espectador, que se queda totalmente sorprendido por el giro de tuerca que el final otorga a toda la historia.

Café de Flore es una película con una gran carga emocional pero sin nada destacable en la acción. El espectador se sienta y espera durante todo el largometraje a que pase algo que realmente le haga entender la unión entre las dos tramas pero, en realidad, no pasa nada, y el desenlace llega sin pena ni gloria para dar una explicación un tanto esotérica de lo que Jacqueline y su hijo comparten con Antoine, Rose y Carole.

Hay que destacar la importancia de la música en el desarrollo de la historia y, sobre todo, del tema de Matthew Herbert que pone título al largometraje, presente en las dos tramas paralelas que se desarrollan y que deja ver la obsesión de Antoine (que es DJ) y Laurent por la música en general y por esta canción en particular.

Nota Making Of: 6

17 ago. 2012

Ahórrate la subida del IVA para 'Amanecer. Parte 2'

Cartel de la película Amanecer Parte 2. Making Of

En septiembre llega el temido incremento del IVA y, como ya sabemos, la cultura, y en este caso el cine, van a sufrir una gran escalada de precios que no todos los bolsillos están dispuestos a pagar. Se estima que el Séptimo Arte sea uno de los sectores más perjudicados por esta medida y por ello, las productoras y los cines están inventando formas para que los espectadores no paguen más por su entrada.

Aurum, en colaboración con algunas de las principales cadenas de exhibición, ofrece la posibilidad de adquirir entradas para Amanecer. Parte 2 de manera anticipada al precio del cine actual. Así, desde el día 20 estarán a la venta las localidades para este film en las webs de Cinesa, Yelmo Cines, Ábaco-CineBox, Cines Acec, CineSur, Ocine y UCC.

Con esta medida, todo aquel que compre sus entradas antes del 1 de septiembre no tendrá que pagar el incremento del IVA.

Podéis encontrar más información al respecto en el Facebook de Aurum y en las páginas de los cines participantes. 

15 ago. 2012

Jean-Claude Brisseau, Leopardo de Oro 2012

El Festival de Locarno, que se celebra cada Agosto en la localidad suiza, ha llegado a su fin, y con él, unos pocos elegidos vuelven a casa con sus preciadas estatuillas bajo el brazo. 


El premio principal de esta 65º edición, ha sido para el cineasta francés Jean-Claude Brisseau, conocido por películas como Los ángeles exterminadores o Céline. En esta ocasión, fue La Fille de nulle part la responsable de que se hiciese con el Leopardo de Oro, una historia protagonizada por Virgine Legeay y Claude Morel acerca de la relación que se forja entre un profesor de matemáticas cuya mujer acaba de fallecer y una joven sin techo, cuya llegada supone el comienzo de sucesos misteriosos en casa del primero. 

El premio especial del jurado recayó en manos de Somebody up there likes me, del británico Bob Byington y el de Mejor Director en las del chino Ying Liang por When night falls. Esta misma obra le ha servido a la actriz An Nai para llevarse el premio a Mejor Actriz, mientras que el premio masculino fue para Walter Saabel por la austríaca Der Glanz des Tages. Los fans de Gael García Bernal quedamos satisfechos con el premio a la Excelencia Moët Chandon que le hicieron al joven actor y cuyo homónimo femenino fue para la actriz británica Charlotte Rampling. Y Alain Delon recibió el premio a toda una carrera en un festival que muchos han considerado pobre y decepcionante y cuyo palmarés completo puede consultarse en su web.


14 ago. 2012

'One Square Mile' cambia algunos papeles



Este largometraje que será protagonizado por Richard Jenkins se ha visto envuelto en un revuelo de cambio de personajes, pero por fin parece haber quedado todo concretado.

Cameron Bright ha dejado el proyecto debido a su apretada agenda y los puestos bacantes que quedaban han sido ocupados por Kelly Blatz y Can Gigandet, de la conocida producción Bajo amenaza. Sin embargo, la gran novedad que se incorpora a la realización del largometraje es Kim Basinger.

Será Charles Oliver Michaud quien dirija este film. En él se contará la historia entre un entrenador de atletismo y su joven vecino, que se encuentra metido en la pobreza y la única posibilidad para salir de ella es convertirse en un atleta de primera. Ambos emprenderán una carrera que no tendrá fin.

13 ago. 2012

¿Dónde estás mamita? Llevo 70 años buscándote

Una de las escenas de la película 'Bambi'

Hace 70 años que nuestros ojos vieron una de las escenas más tristes de la historia del cine. Hace 70 años que escuchamos por primera vez el disparo que encogió nuestro corazón porque aunque nunca llegamos a ver la escena, todos sabíamos que ese bang había alcanzado a la madre de Bambi. Era la primera vez que veíamos una muerte en una película de Disney. Hoy, Bambi está de celebración a pesar de no encontrar a su madre, ya que cumple 70 años.

El quinto largometraje animado de la factoria Disney narraba la historia de un cervatillo que tenía que sobrevivir a las adversidades que la madre naturaleza elegía a su antojo. Finalmente, Bambi madura y acaba formando su propia familia. El estreno de la cinta tuvo lugar el 13 de agosto de 1942 en el famoso Radio City Music Hall de Nueva York.

El estreno de esta película estuvo lleno de controversias. Los más críticos, rechazaron el largometraje afirmando que la cinta era demasiado triste para los niños. Pero por otro lado, Bambi también fue considerada como una película que denunciaba la violación de los derechos de los animales.

Bambi fue estrenada en plena Segunda Guerra Mundial por lo que no tuvo mucho éxitos en sus primeros meses de vida. Al año siguiente de su estreno, fue nominada a tres Oscar y en 1947, volvió a aparecer en las salas de cine teniendo un gran éxito entre el público.

Bambi se convirtió en una de las peliculas infantiles más taquilleras de la historia y en un hito del cine de animación. Es y será un clásico entre los clásicos y ha conseguido permanecer en la retina de muchas generaciones.

12 ago. 2012

'Psicosis', de Alfred Hitchcock (1960)



Alfred Hitchcock supo hacer de una novela, hasta cierto punto mediocre, una obra maestra; extrayendo con habilidad todos los elementos de terror psicológico que se encontraban en estado embrionario en el texto. La historia, que es mérito completo de Robert Bloch, es de por sí­ original y escalofriante, con un tratamiento de las profundidades psicopáticas de los individuos muy innovador hasta ese momento; su error radica en la forma de la narración, en el estilo, pues su estructura, que da un mayor énfasis a la problemática de Bates que a la de Marion, resulta más esclarecedora y golpea con mayor fuerza al lector al mostrarle al desnudo las aberraciones de los Bates. La pelí­cula de Hitchcock es estéticamente superior, de un horror psicológico refinado que logra envolver al espectador y que crea un lazo de simpatí­a con los personajes, primero con Marion, luego con Norman, sin detenerse en las banalidades de los personajes secundarios en los que hace tanto énfasis Bloch. Decí­a un viejo crí­tico que el cine jamás alcanzarí­a los niveles del arte que se logran en la literatura, y que era aberrante tratar de adaptar un texto a una serie de imágenes que no contení­an la capacidad de evocación de la palabra; las soberbias escenas de la Psicosis de Hitchcock evidencian con creces que muchas veces la cámara supera a la pluma: y demuestra que el cine posee merecidamente un lugar dentro del arte.

Convertida en fenómeno sociológico por algunos, tachada de vulgar y previsible por otros, Psicosis sigue manteniendo su aura de respetabilidad al cabo de los años y ha sido uno de los pocos filmes que ha inspirado un “remake” -escena por escena-, titulado igualmente Psicosis y estrenado en 1998. Poco conocido por el público común son las fuentes de inspiración de la pelí­cula. Están por supuesto el libro de Robert Bloch y el guión de Joseph Stefano. Pero también hubo casos reales. En 1957 la policí­a investigó la desaparición de una empleada de tienda en Plainfield, Wisconsin. Llegaron a la casa rural de Ed Gein, un hombre de 51 años, y descubrieron una horripilante variedad de huesos humanos y extremidades humanas. Bloch se inspiró en este caso para su novela, provocando avalanchas de protestas de crí­ticos que creyeron que era demasiado para sus sensibilidades.

En esa época un lector de guiones de Paramount rechazó el libro por ser “muy repulsivo para el cine”. Pero, volviendo al cine: ¿Será el sentido de identificación del público una de las pistas para comprender la fascinación que ejerce esta pelí­cula sobre los cinéfilos? Las simpatí­as del espectador pasan de un personaje a otro constantemente, primero con la fugitiva Marion Crane, que ha robado 40.000 dólares y se escapa de la ciudad. El robo, más allá del hecho criminal, traiciona la confianza que en ella depositó su jefe; sin embargo, cuando el policí­a para a Marion en medio de la carretera, todos hacemos fuerza para que no descubra a la bella fugitiva Más tarde, cuando Marion expira en la ducha y su asesino, Norman Bates oculta y limpia todas las evidencias. El periódico, donde Marion ha ocultado el dinero, va al baúl del automóvil de ella; Norman ni sospecha la presencia de dinero ni se molesta en revisar nada. Su crimen tendrá que ser engullido por el pantano. Y ahí­ nuevamente el espectador se tranquiliza cuando el coche termina de hundirse. Ya el dinero no tiene importancia; el oscuro drama psicológico entre Norman y su madre ocupan la escena.


Hitchcock maneja este sentido de identificación del público con personajes de manera magistral, tal y como lo habí­a hecho en Vértigo (1959) tan sólo un año antes. Desde 1919 en que comenzó como ilustrador de tí­tulos en filmes mudos de Jesse Lasky, Hitchcock se curtió en varios oficios cinematográficos: fue montador, guionista, director de arte y asistente de dirección. En Psicosis cada escena es una lección de cinematografí­a, tanto narrativa, como técnica. Desde los tí­tulos de crédito y la entrada en la habitación barata en la que Marion y Sam pasan un corto perí­odo de tiempo, hasta en la verdadera enciclopedia de imágenes que representan los inacabables 45 segundos más horribles de la Historia del Cine que representa el asesinato de Marion en la ducha. Hitchcock intercaló entre los planos breves de distintas partes del cuerpo de la actriz y del agresor envuelto en sombras, otros del cuchillo (siempre entrando desde el lado derecho de la pantalla). El final, con el ojo muerto de Marion, abierto, que se funde con un primerí­simo plano del desagüe de la bañadera, por la cual se escurre la sangre, es una verdadera firma de su autor. Tampoco podemos olvidar la conversación previa en la oficina de Norman, entre él y Marion.

Hitchcock realiza una serie de tomas en la que no sólo el comportamiento de la cámara delata la locura de Norman sino también los decorados que se encuentran detrás de cada personaje dan una idea de sus personalidades. Primero notemos el encuentro entre ambos, en el pasillo. Norman tiene una ventana al lado y se puede ver su reflejo en la misma. ¿Reflejo o doble personalidad? Este tipo de trucos es posible percibirlos a lo largo de toda la cinta. Veamos la siguiente escena a los personajes en la cabaña de Norman, notemos a Marion: ella tiene un cuadro circular detrás, los muebles tienen bordes redondeados, mantillas, son, en una palabra, delicados; usualmente la cámara la toma de frente y su rostro permanece iluminado. En cambio en Norman, los cuadros, los cajones, los muebles, a sus espaldas, son todos rectangulares. Y para peor, cada vez que la cámara lo enfoca, vemos el lateral de su rostro (o sea, vemos una parte de su cara). En ciertas tomas, las aves disecadas por Norman cobran protagonismo, y vemos su rostro coronado por aves y rectángulos, como si estos pájaros estuvieran volando desde su cabeza tras esta escena no se puede decir que Hitchcock no avisó a sus espectadores que Norman no estaba cuerdo.

Criticada fuertemente al momento de su estreno y tachada de “demasiado terrorí­fica” (en un momento en que los crí­ticos no daban relevancia al cine de géneros), Psicosis y su “hermana” Peeping Tom (El fotógrafo del pánico), de Michael Powell (1960), dieron origen a una legión de imitadores en los años 60, hasta productos posteriores como Halloween (Noche de brujas, de John Carpenter, 1978), que es un gran homenaje, en varios sentidos, al clásico de Hitchcock y la serie de secuelas que durante los años 80 se filmaron sobre Psicosis, alguna de ellas dirigida por el propio Anthony Perkins.

Psicosis es probablemente una de las mejores pelí­culas de terror de todos los tiempos. Y sin lugar a dudas, uno de los hitos de la técnica cinematográfica. Son muchos los que piensan que Psicosis es la obra maestra de Alfred Hitchcock. Y es que, son pocas las pelí­culas que logran alcanzar un clí­max de inquietud, espanto e intriga equiparable al de Psicosis. Desde el primer hasta el último minuto te mantiene en suspense, incómodo y tenso.

La pelí­cula esta basada en la novela homónima de Robert Bloch. Dicha novela cuenta la historia de un psicópata asesino de Wisconsin llamado Edward Gein. Pues bien, poco después de publicar la novela el agente de Bloch le comunicó que alguien de la MCA estaba dispuesto a ofrecerle 9.500 dólares por los derechos cinematográficos. Bloch aceptó el acuerdo sin saber que Hitchcock era el que andaba detrás. Hitchcock entregó el texto a Robert P. Cavanagh, uno de sus colaboradores en las series de TV, para que elaborara un buen guión. Sin embargo, el trabajo de Cavanagh no acabó de gustarle al director que consideraba que varios elementos claves la historia se perdí­an. Por lo que, poco después se lo hizo llegar a Joseph Stefano que reestructuró el guión y lo dejó a gusto del maestro del suspense.

Por aquel tiempo Hitchcock tení­a contrato en vigor con la Paramount Pictures. Pero cuando los responsables del estudio supieron que la pelí­cula pretendí­a ser rodada en blanco y negro alegaron que no disponí­an de espacio en sus estudios. Pretendí­an de este modo que Hitchcock cambiara de planes. En respuesta, el director decidió alquilar los estudios de la Revue-Universal Studios donde vení­a realizando sus producciones para TV hasta entonces. Y así­, a finales de noviembre de 1959 comenzó el rodaje.


Psicosis es una pelí­cula que rompí­a con muchos convencionalismos establecidos hasta entonces. Y no sólo eso sino que marcó la pauta dentro del género de terror hasta el punto de ser considerada por muchos como su paradigma.

En la historia todo es inquietante. Desde el mismí­simo comienzo se nos va dando a entender que algo horrible va a suceder… El poder de sugestión que consigue gracias a la música y a los efectos técnicos es sorprendente: la voz en off, los primeros planos del dinero y del ojo de Norman, las tomas cenitales de la señora Bates, los fundidos, la caí­da de Arbogast… Y es que, pocas pelí­culas pueden presumir de aglutinar tanta técnica cinematográfica.

La escena de la ducha, la más famosa del filme y una de las más famosas de la historia del cine, requirió el trabajo de siete dí­as de rodaje. La cámara llego a filmar desde 70 ángulos diferentes. Mención aparte merece el “McGuffin”, un invento cinematográfico de Hitchcock consistente en centrar la atención sobre una trama u objeto que en un primer momento parecen capitales para el desarrollo de la historia pero que luego se desvanecen con la consiguiente sorpresa por parte del espectador.

En cuanto a los actores, cabe destacar a Janet Leigh y a Martin Balsam, y especialmente a Anthony Perkins, que clava el papel a la perfección. Años después protagonizó la secuela del filme, esta vez de la mano de Richard Franklin. Su personaje es inquietante desde el primer momento que aparece en pantalla…

Pues bien, a pesar de todo, Psicosis no alcanzó ni un solo Oscar. Recibió 4 nominaciones, entre otras a mejor director y a mejor actriz secundaria, pero no llegó a ganar nada. Casos como éste demuestran que los Oscars de Hollywood no son un factor del todo fiable a la hora de valorar una pelí­cula. Que Psicosis no fuera ni siquiera nominada a mejor pelí­cula… tiene delito. En cualquier caso, cabe señalar que compitió con otras pelí­culas extraordinarias como El apartamento, Los siete magní­ficos, Éxodo, El Álamo o Espartaco.

No obstante, el tiempo la ha puesto en su lugar para los aficionados al cine. Una gran pelí­cula, una obra maestra que no envejece con el tiempo, un auténtico hito del cine.

8 ago. 2012

Cursos de Cine en ParaleloB


¿Todavía no conocéis la escuela-productora de cine ParaleloB? Pues los nuevos cursos de cine que comienzan en septiembre quizás sean la oportunidad perfecta. Desde cursos de guión hasta cursos de análisis cinematográfico pasando por la posibilidad de hacer cine... ¡Hay para todos los gustos! ¿Tú cuál prefieres?
Logo de ParaleloB

El Curso de Guión: La película sobre el papel es de 3h semanales dos días a la semana, en grupos de mañana o tarde. La duración es anual, con posibilidad de renovación trimestral y su precio es de 340€ por trimestre o de 900€ por año. En él, los estudiantes escribirán el guión de un corto que tendrán la posibilidad de grabar si realizan el curso El cine desde dentro, aunando así teoría y práctica cinematográfica por solo 450€. Este último, además, puede realizarse en modo intensivo los Sábados de 10 a 14h y de 16 a 20h durante 4 semanas. Su duración es de 32h más la asistencia a los procesos y su precio es de 320€.

Parecida es la propuesta del curso de Series 2.0, dividido en dos etapas, una de guión y otra de realización. El primero será los Martes y Jueves de 17 a 21h o los Lunes y Jueves de 11 a 14h y la duración será de 24h lectivas más procesos, mientras que el de realización será de 32h lectivas más procesos. Los precios varían: 190€ solo el de guión, 320€ solo el de realización y 450€ el curso completo.

Pero si lo tuyo es mandar, entonces no puedes perderte el curso de Dirección de Actores, de 24h lectivas que tendrán lugar durante 3 semanas los Martes y Jueves de 18 a 22h a las que habrá que añadir la asistencia a los procesos. Su precio es de 240€. Aunque si prefieres estar detrás de la cámara, el curso de Operador de cámaras DSLR puede interesarte. Su precio es de 210€ por 16h lectivas más la asistencia a los procesos. 

Y esto no es todo... Pues ¿qué sería de las películas sin sus exigentes espectadores? Para analizar y evaluar cada detalle del proceso cinematográfico está el curso de Miradas Inquietas, anual pero renovable mensualmente. Este tendrá lugar los Viernes de 17 a 20h y su precio es, para un mes de 120€, para 3 meses de 300€ y por un año 790€. Para más información visita su web o contacta en: info@paralelob.com ¿Te lo vas a perder?

7 ago. 2012

Jean-Marc Vallée presenta 'Café de flore' en Madrid

Jean-Marc Vallée presenta 'Café de flore' en Madrid. Making Of


El próximo viernes 17 de agosto Café de flore llegará a las salas españolas, pero hoy hemos tenido el placer de contar con la presencia de su director, Jean-Marc Vallée, que ha estado en los Cines Golem para hablarnos de la película.

Café de flore es una historia de un amor dramático que el espectador vive a través de dos historias separadas en el tiempo. Por un lado están Jacqueline (Vanessa Paradis) y su hijo con síndrome de down, que se desarrolla en el París de los años 60 y, por otro, la historia de Antoine (Kevin Parent), un DJ de éxito recién divorciado que vive en Montreal. A lo largo de la película las tramas, aparentemente sin similitudes, irán entrelazándose hasta conseguir que el espectador quede atrapado en una red que une las dos realidades.

"La forma de conectar las dos historias fue a través de las pesadillas de Carol. Ella cree que tiene una vida pasada", afirma Vallée, y es que el film plantea cuestiones espirituales como la existencia de las almas gemelas y la reencarnación. El director deja muy claro que él no cree en este tipo de cosas pero quiso ofrecer al público la posibilidad de creer en lo que cree Carol o bien acercarse más a su postura.

Otro aspecto que hay que resaltar es la música: "Dentro de la película hay un elemento clave: el disco", declara Jean-Marc Vallée. De hecho, el tema de Matthew Herbert que da título al largometraje está presente en las dos historias centrales, ejerciendo un punto de unión.

Otras canciones que aparecen son Speak to Me y Breathe, interpretado por Pink Floyd, Pictures of you por The Cure o Fljotavik interpretado por Sigur Ros.

Entre risas el cinesta apunta que a las mujeres les cuesta más dejar ir al amor en una separación pero reconoce que también es doloroso para los hombres y que ese malestar queda reflejado en Antoine, que a pesar de sentirse bien con su nueva vida, tiene remordimientos por haber destrozado todo lo anterior.

Para amenizar la espera, os dejamos con el trailer de la película.



Y la entrevista que le hice al director para Agoranews:





6 ago. 2012

Sacha Baron Cohen, de dictador a 007

Sacha Baron Cohen, de dictador a 007. Making Of

Tras ser un guardia de la estación de trenes de París en La invención de Hugo hemos podido ver a Sacha Baron Cohen convertido en el dictador de la República de Wadiya y, por si eso fuera poco, ahora sabemos que el actor está preparando una comedia junto a Phil Johnston en la que harán una parodia de James Bond y las películas de espías.

No hay muchos datos del proyecto por ahora, pero lo que es seguro es que la película se centrará en un agente secreto que se verá obligado a acompañar a su hermano, un demente que sólo está interesado por el fútbol.

Aún no se sabe a ciencia cierta si Cohen será el encargado de encarnar al agente secreto, pero todo apunta a que el actor se ha mostrado muy interesado en quedarse con el papel que él mismo está escribiendo.

Poco a poco irá apareciendo nueva información del proyecto de Paramount, así que estaremos atentos.

5 ago. 2012

'La revolución de los cangrejos', reflejo de la sociedad actual


Imagen de la Révolution des Crabes

Siempre dedicamos nuestro HITOS DEL CINE a largometrajes, pero ¿qué hay de los cortometrajes? Hace seis años que llegó a mí este corto francés y hoy he querido compartirlo con todos vosotros.


La revolución de los cangrejos es un cortometraje realizado por el diseñador francés Arthur de Pins. Se trata de un cortometraje en blanco y negro donde aúna un dibujo de trazo fácil y un guión inteligente. La revolución de los cangrejos ha sido galardonado con más de 50 premios. Tras la producción de este cortometraje y la buena acogida que tuvo entre el público, su autor se inspiró para hacer una novela gráfica llamada La marcha de los cangrejos.

Este corto narra una historia épica de una raza oprimida como lo son los "Pachygrapsus Marmoratus" o también conocidos como los "cangrejos deprimidos". Esta especie de crustáceo vive abocada a la incapacidad de andar hacia delante y al conformismo de caminar en una única dirección. Ofrece una visión muy personal de la Teoría de la evolución de Darwin.

Los cangrejos saben hacia donde van"Nacido en el barro, el Pachygrapsus Marmortus mantendrá un enlace inútil de la evolución". Con esta frase, Arthur de Pins nos muestra el determinismo impuesto a una especie que no puede trascender su propio destino. Haciéndose valer de un estilo ágil, sencillo y dinámico acompañado de una banda sonora lúcida, La revolución de los cangrejos transmite, con dosis de ironía y cinismo, una moraleja de gran carga política social. 

Al igual que suele ocurrir con un gran número de películas de animación, el componente ideológico y la crítica social es una baza que Pins utiliza de manera brillante. Sus protagonistas, unos cangrejos vulgares que siguen siempre el mismo desplazamiento, ya que están imposibilitados para desarrollarse y adaptarse al medio en el que viven, se irán transformando en mentes insurrectas que buscarán una solución a su monótona existencia. 

El paralelismo que existe entre el determinismo impuesto a la especie de los "cangrejos deprimidos" y el conformismo impuesto por la especie humana es idéntico. Se podría decir que este cortometraje es una metáfora de la condición humana.  Actualmente, en las sociedades, las personas vivimos con una actitud de pasividad e indiferencia ante lo que nos rodea. Es así como actúa el pesimista cínico que no cree en la existencia de causas de índole colectiva, para el cual valores o ideales como justicia, libertad o verdad no significan más que marcas desechables carentes de sentido en una sociedad capitalista. Este ensimismamiento social es aprovechado por aquellas personas que manejan los hilos del poder.

Permaner estático, sordo a la realidad, es sencillo y placentero. Así evita problemas y se dota de un aura de ecuanimidad y decencia burguesa, que granjea aceptación. Pero aquí no se encuentra la solución al sometimiento. No debemos permanecer indiferentes ante la sociedad que nos rodea. Tenemos las herramientas necesarias como la capacidad de pensar, analizar, reflexionar y criticar para buscar mejorar nuestras condiciones. De esta forma nos afirmaremos con la capacidad de transformar la realidad por medio del trabajo creador y salvaremos nuestra esencia en el camino, afirmándonos no solo como víctimas del sistema sino como propulsores de alternativas a él. Transcenderemos así nuestro propio destino.

Aquí pueden ver íntegro el cortometraje: 

3 ago. 2012

Marilyn, mucho más que un icono sexual



Marilyn Monroe en el rodaje de una película

Hoy, hace 50 años que la luz de sus rizos se apagaron y por este motivo el equipo de Making Of quiere homenajear a esta gran diva con el FILMA2 de la semana.
Marilyn Monroe que responde al nombre de Norma Jeane Baker tuvo una infancia que marcó su madurez pero a pesar de ello, su pasado no fue una barrera para alcanzar el éxito. 
A los 16 años, Norma Jeane decide contraer matrimonio pensando que este hecho daría estabilidad a su vida. Pero no fue así. Cuatro años después, Marilyn se divorciaría apostando por su futuro profesional ya que se convertiría en modelo bajo la tutela de la agente Emmeline Snively quien le aconsejó dar ese tono dorado a esos rizos que eclipsarían al público de la gran pantalla.
Tras realizar innumerables campañas publicitarias, el entusiasmo por seguir progresando y aprendiendo en el nuevo camino que estaba forjándose, tomó clases de arte dramático en el Actor`s Lab de Hollywood. Su primer contrato como actriz de reparto se lo ofreció la 20th Century Fox que le permitió actuar en tres películas. Fue en este momento cuando a Norma Jeane se le empezaría a conocer como Marilyn Monroe: Marilyn, por la conocida actriz Marilyn Miller y Monroe, por ser el apellido de soltera de su madre.
En 1948, Columbia la contrató para participar en la comedia musical Ladies of the Chorus de Phil Karlson. Un año más tarde tuvo el honor de colaborar en una de las últimas películas de los hermanos Marx, Amor en conserva. 

La actriz estadounidense también tuvo el honor de trabajar para la ya inexistente Metro Goldyn Mayer. Tuvo un pequeño papel pero de suma importancia para su carrera como actriz. La amante de un ganster en La jungla del asfalto de John Huston permitió que Joseph L. Mankiewick le ofreciese un papel en su película Eva al Desnudo.
En 1949, Marilyn seguía compaginando su carrera de actriz con su carrera de modelo lo que le permitió dar nombre a su celebridad al posar en una sesión fotográfica dando lugar a la creación de la moda pin-up.  Una de las fotos que se tomó en esa sesión fue portada del primer número de la famosa revista erótica Playboy. 
Marilyn Monroe con Rock Hudson en el rodaje de una películaPero a pesar de ello, aún quedaba que la actriz estadounidense llegase a lo más alto de su estrellato apareciendo en varios títulos de cierto renombre como Encuentros en la noche de Fritz Lang, No estamos casados de Edmund Goulding o Niebla en el alma de Roy Ward Baker. Marilyn estuvo verdaderamente espléndida en su papel de Nell, una niñera perturbada. Fue sin duda uno de los mejores papeles de su carrera. Aunque otro de los géneros en los que destacó fue la comedia donde destacó por su papel Me siento rejuvenecer, película dirigida por Howard Hawks y Billy Wilder.
1953, fue un año muy importante para la actriz ya que colaboraría en tres películas de cierta importancia en la historia del cine como Niágara de Henry Hathaway; Los caballero las prefieren rubias Howard Hawks que marcaría la carrera de la actriz como estrella y como mito sexual. Su tercer trabajo fue Cómo casarse con un millonario de Jean Negulesco donde trabajó con actrices de gran renombre como Betty Grable y Lauren Bacall. Gracias a su talento y a su esfuerzo en estos tres trabajos, le fue concedido el Globo de Oro a la mejor actriz. 
Al año siguiente, Marilyn Monroe convertida en una auténtica estrella del cine, contrajo matrimonio por segunda vez con el jugador de béisbol Joe DiMaggio del cual se divorciaría unos meses más tarde. En este mismo año, la actriz trabajó en Río sin retorno y en Luces de candilejas. 

Pero a pesar del éxito conseguido, no es oro todo lo que reluce. Marilyn luchaba para que el público no solo la considerase una cara bonita. Este motivo junto con la nulidad intelectual de la que se le acusaba, provocó que la actriz estadounidense ejerciese nuevas actividades como por ejemplo el estudio del psicoanálisis con el objetivo de conocerse más a sí misma. Pero después de luchar con todas sus fuerzas para despojarse de la etiqueta de objeto sexual a ojos masculinos, su interpretación en películas como La tentación viene de arriba de Billy Wilder o Bus Stop de Joshua Logan encasillaron aún más a la actriz en ese cliché. Este fue uno de los motivos por los que se vio sumida en fuertes depresiones. 
En 1956 tuvo lugar su tercer matrimonio con el dramaturgo Arthur Miller y al igual que sus dos intentos matrimoniales, el fracaso no tardó en asomarse. En esta época, Marilyn tenía entre manos un nuevo proyecto: su propia productora. Protagonizó y produjo El príncipe y la corista teniendo como director a Laurence Oliver pero aún así la crítica seguía maltratándola quedando su esfuerzo relegado a una simple cara bonita sin ideas propias.
Su próximo trabajo Con faldas y a lo loco de Billy Wilder le otorgaría de nuevo el Globo de Oro como Mejor Actriz aunque según Billy Wilder, el rodaje de la película fue un auténtico suplicio por el imprevisible comportamiento de la actriz. Su última aparición cinematográfica en Vidas rebeldes de John Huston fue uno de los mejores trabajos de Marilyn Monroe. 
Por último, su prematuro fallecimiento inmortalizó a Marilyn Monroe como una diva que vivió lo suficiente para alcanzar la fama mundial y convertirse en un hito en la historia del cine y una celebridad eterna potenciada por su pronta muerte.

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